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Légendes du radeau

C’est au CRAC Occitanie (Centre Régional d’Art Contemporain) de Sète dans l’Hérault que vous pourrez rencontrer le travail de Fernand Deligny, éducateur et cinéaste.
Jusqu’au 29 mai, le CRAC propose un cheminement à travers le travail de Deligny, qui chercha durant toute sa carrière des alternatives aux institutions éducatives et psychiatriques.

Fernand Deligny est né à Bergues, dans le Nord en 1913. D’abord instituteur pour enfants inadaptés, il fut éducateur à L’Institut Médico-Pédagogique (IMP) de l’asile d’Armentière. Là, il commence par supprimer les punitions et met en place des ateliers de créations artistiques, organise des sorties etc.
Ce qui peut nous paraître évident aujourd’hui, était à l’époque fort révolutionnaire, et on ne peut s’empêcher de faire un parallèle avec le travail pédagogique de Celestin Freinet, qui bouscula, quelques temps avant, la rigueur de l’enseignement!

Après avoir créé les premiers foyers de prévention de la délinquance, il fonde une association de prise en charge de « cures libres » d’ados et d’enfants psychotiques…

Au cours de ses différents engagements professionnels, Fernand Deligny précise qu’il cherche moins à éduquer, à réhabiliter ou à guérir qu’à mettre en place des environnements et des circonstances favorables aux changements de comportements des individus.  il insiste sur l’idée que l’éducateur ne doit pas s’appuyer sur le passé du jeune délinquant par exemple mais sur le milieu capable de favoriser un sens de la collectivité. Il s’attaque au volontarisme pédagogique par lequel des éducateurs entendent réformer les éduqués, les incitant à travailler avec les jeunes par des projets formulés avec eux.

Enfin, en 1967, il va s’installer à Monoblet dans les Cévennes où il fonde un réseau de prise en charge d’enfants autistes. Les enfants qui y sont accueillis présentent des symptômes sévères et ne parlent pas, quasiment ou entièrement. Nul programme thérapeutique ou éducatif n’est formulé, il s’agit davantage de « faire cause commune » avec eux, de leur proposer des moments de rupture, un intervalle entre l’approche volontariste et la passivité que Fernand Deligny nomme « un espace tacite ». Il considère que leur mutisme est un élément constitutif de leur être qu’il s’agit non pas d’interpréter mais d’observer.
C’est cette dernière « expérience » qui est mise en avant dans cette très intéressante exposition.
À travers des textes, des dessins, des poèmes, des livres, des extraits d’interviews et ses films, on approche le sens de cette expérimentation, qu’il désigne comme un radeau, à la fois naufrage et salut.

Il est difficile de vouloir restituer la richesse du travail de Fernand Deligny en quelques mots…
En 2021, un groupe d’étudiant.es de l’IRTS de Montpellier (Institut Régional du Travail Social), futur.es éducateurs et éducatrices spécialisé.es, a réalisé un documentaire sur Deligny:

Florian Fouché, Manifeste assisté

À la suite des salles d’exposition Deligny, on accède aux salles consacrées à l’oeuvre de Florian Fouché, sculpteur. Né à Lyon en 1983, il vit et travaille à Paris et enseigne à l’école des Beaux Arts de Lyon. Il réalise des « actions proches », expérimentations sculpturales, lors de visites à son père, hémiplégique à la suite d’un AVC. « Actions proches » dérive de « présences proches » expression de Deligny pour désigner celles et ceux qui veillèrent sur les enfants de Monoblet…

Le CRAC Occitanie est en accès GRATUIT de 12h30 à 19h, sauf les mardis et le 1° mai.
26 quai Aspirant Herber à Sète (34) 0467749437
De nombreuses animations sont proposées tout au long de la période d’exposition.

De mon adolescence, j’ai gardé une fascination pour Dina Vierny.
Plutôt cancre et une appétence pour tout ce qui touchait aux arts, j’adorais la sculpture et je trainais aussi aux Beaux-Arts en auditeur libre dans la classe de croquis… Un peu en errance, j’ai eu – par chance – un père attentif qui m’emmena un samedi après-midi à Paris (on habitait en banlieue et c’était une sortie...) à la Galerie Dina Vierny.
Accueil chaleureux:  » Oh! Henri! Quel plaisir! Que me vaut ta visite? »
Qui était donc cette petite femme un peu ronde habillée de noir, au visage lumineux, et entourée d’oeuvres si magnifiques?
– « Je te présente ma fille cadette. Elle est dans une section Arts Plastiques au lycée et veut faire une carrière artistique, tu pourrais la conseiller? »
La petite dame me regarde très affectueusement… En riant elle me dit:
– « Tu sais, tu devrais plutôt te diriger vers la décoration! Pour une femme c’est trop dur d’être une artiste! »
Ohhh! qu’elle m’a énervée la dame! Et pour m’énerver un peu plus, mon père m’emmène voir les statues de Maillol aux jardins des Tuileries…
Je n’ai jamais su comment mon père avait pu sympathiser avec Dina Vierny!
Amitiés trotskystes ou de résistance?

Dina Vierny rencontra Aristide Maillol à l’age de quinze ans et fut son modèle préféré. Une belle amitié les a lié pendant des années. Durant la deuxième guerre, elle se réfugia à Banyuls, chez le sculpteur, pour échapper au nazisme et fit le « passeur » pour des antifascistes qui tentent de fuir vers l’Espagne… Pendant l’Occupation elle sera arrêtée, torturée puis emprisonnée.
Maillol en fit sa légataire universelle et après le décès de celui-ci, elle créa la « Fondation Dina Vierny » pour pouvoir gérer les oeuvres de l’artiste.

Le musée Maillol à Banyuls-sur-Mer

Et me voilà à Banyuls-sur-Mer, un bel après-midi d’hiver… Cachée dans la garrigue, la métairie d’Aristide Maillol se laisse désirer, mais la promenade est ravissante!
Et là, en entrant, j’ai un peu l’impression de m’être trompée:

Une incroyable exposition sur les affiches réalisées par les étudiant.e.s des Beaux-Arts en Mai 68 !
« Ne cherchez pas de corrélation! » me dira le monsieur très sympathique de l’accueil… C’est vrai… Il n’y en a -peut-être? – pas… Sauf l’expression d’une révolte, comme celle de Dina pendant l’occupation, qui la conduisit vers la Résistance, ou les Beaux-Arts que Maillol a fréquenté…
Quand on visite la métairie-musée, on ne se pose plus la question, les affiches se mariant étonnamment avec les sculptures exposées!

La visite du musée

Ce qui est remarquable dans ce musée, ce sont – outre les grandes oeuvres – les petites sculptures exposées dans les vitrines et les oeuvres graphiques, peu connues.

La vie quotidienne

Autour de sa table, qui était réputée, se sont réunies beaucoup de personnalités artistiques du siècle.
Aux murs de sa salle à manger, les tapisseries sont de Maillol. Passionné par la tapisserie, il crée un atelier de tissage à Banyuls, engage des ouvrières et réalise ses premiers cartons. Il réintroduit l’emploi des pigments naturels qu’il récolte lui-même dans la campagne.

Pour clore la visite, un très beau documentaire sur Aristide Maillol est proposé au sous-sol…

Émotion, dehors, devant la tombe de Maillol sur laquelle veille cette tellement belle oeuvre
« La Méditerranée » dont Dina Vierny fut la modèle…
Voilà, la boucle est bouclée…

Les photos ont été réalisées par Christian AVENEL

Dans l’article du 16/06/2022: « Destination Orsay »
vous retrouverez Aristide Maillol, cet artiste étonnant et tellement mal connu!

Le Musée Maillol se trouve dans la Vallée de la Roume
66650 Banuyls sur Mer
Du mardi au dimanche de 10h à 12h et de 15h à 19h
Renseignements: 04 68 88 57 11

Une bien étrange exposition…

Le Pavillon Populaire de Montpellier présente jusqu’au 16 avril l’exposition:
« La surface et la Chair/ Madame d’Ora / Vienne-Paris 1907-1957 »

Dès l’entrée de cette exposition, on pénètre dans le monde clinquant et soyeux de la photographie de mode: mannequins filiformes, artistes connues, danseuses… Posent avec affectation devant l’appareil de Dora Kallmus, dite « Madame d’Ora ».
Première femme à ouvrir son studio de portraits à Vienne, issue d’une famille juive de la bourgeoisie autrichienne, elle sera vite reconnue par des artistes ou des personnalité comme le peintre Gustav Klimt ou l’empereur Charles 1°…

Paris…

Après l’effondrement de la monarchie autrichienne et le début de la première guerre mondiale, Dora Kallmus ouvre, en 1924, un nouveau studio à Paris, et rapidement des artistes se pressent pour devenir ses client.e.s: Joséphine Baker, Coco Chanel et beaucoup d’autres, peintres ou écrivains célèbres…
Bien vite, elle est repérée par les revues de mode comme « L’officiel »:
« De la même manière que le magazine de mode a commencé par être technique, il en est de même pour la photographie de mode elle-même. La première photographie était rigide, sobre ; elle était à l’origine destinée à capturer la simple ressemblance de son sujet, avec peu d’expression créative. Cependant, avec l’essor de la scène artistique au début des années 1900, des créateurs cultivés comme d’Ora ont apporté de nouvelles approches à la pratique, invitant l’esthétique dans les pages des magazines. Alors que les dessins de mode remplissaient leur fonction pour une publication axée sur l’industrie, la directrice photo emblématique a contribué à transformer L’Officiel en un magazine visuel destiné à un public de masse assoiffé de la fantaisie de la couture. »
Piper McDonald et Tori Nergaard in #LOFFICIEL100.

Ses client.e.s admirent son talent de prises de vues mais également ses discrètes compétences en matière de retouches. Grâce à ses poses, son style, ses éclairages et ses retouches subtiles, Madame d’Ora se fait connaître comme « le miroir embellissant »!

Dans sa biographie, Madame d’Ora parle de ces deux portraits du metteur en scène britannique
E.G Graig, comme ses premières expériences avec un appareil « Rolleiflex ». Ce petit appareil photo portatif permet plus de liberté et de souplesse dans la prise de vues et rapproche la photographe de son modèle. (Jusque là, le matériel photographique était composé d’une « chambre » montée sur un trépied et d’éclairages sur pieds.)
Cette série marque le début d’une nouvelle époque pour Dora Kallmus et annonce ses thèmes sombres d’après 1945.

LA GUERRE… LA PRISE DE CONSCIENCE…

Avec la prise de pouvoir des nazis, « les interdictions d’exercer une profession pour les juifs et les opposants politiques » (les « Berufsverbote ») entraînent une réduction des commandes pour d’Ora, tant dans les pays germanophones qu’en France. Ses photos disparaissent petit à petit des magazines et, suite à l’Occupation, elle est contrainte de vendre son studio en 1940.
Sa soeur Anna est déportée en 1941 et mourra en 1942. Cette même année, après la rafle du Vel’d’hiv, Madame D’ora s’enfuit en Ardèche…
Elle reviendra à Paris après la guerre.. Elle a 65 ans et plus un sou…
Elle part en voyage en Autriche en 1948, et se retrouve confrontée à un pays en ruines, ravagé par la guerre. Elle prend ses distances avec le monde du glamour et réalise une série de clichés sur les camps de réfugié.es.
Remarquables d’émotion et de sensibilité!

LE RETOUR AU TRAVAIL

« S’il n’y avait pas le problème de l’argent, je me demande jusqu’à quel point je pourrais travailler pour mon propre plaisir. Mais j’ai dépensé trop d’argent, j’ai trop investi dans mes idées et j’ai donc dû revenir aux portraits, au moins en partie, juste pour l’argent » D’ora 1954.

Faute de moyens, elle ne peut s’offrir un studio et photographie ses clients dans leur propre lieu de vie.
À la fin de sa carrière, la mort devient un sujet régulier dans son oeuvre.
Plus sombres, ces portraits sont aussi plus sensibles. Elle semble vouloir capter ce petit quelque chose fugitif de la réalité de ses clients…
Ces photos contrastent rudement avec celles du début de l’exposition et rendent ce parcours dans la vie d’une femme réellement passionnant!

LE PAVILLON POPULAIRE SE SITUE SUR L’ESPLANADE CHARLES DE GAULLE à MONTPELLIER
L’exposition sur Madame d’Ora est ouverte du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h.
ENTRÉE LIBRE

Des visites guidées (« macro », « déclic » « grand angle » « focus »)
sont proposées tout au long de la semaine.
Renseignements au 0467661346

Fascination…

Le Musée de l’Homme présente depuis cet hiver l’exposition : «Arts et Préhistoire» .
C’est une occasion unique de voir (ou revoir) les œuvres qui ornent les grottes de Lacaux, Chauvet ou d’autres à travers le monde, grâce à des centaines d’images numériques de peintures et de gravures, venant de toutes les régions du Monde ainsi que des pièces préhistoriques originales.

• Une première salle regroupe ce que l’on appelle « l’art mobilier » c’est à dire les objets sculptés et/ou gravés

• Dans la seconde salle on retrouvera l’Art pariétal et rupestre à travers des projections et des animations visuelles très didactiques.
  L’art pariétal étant, au sens large, des oeuvres réalisées par l’Homo sapiens sur des parois de grottes et l’art rupestre sont les œuvres réalisées en plein air (gravées sur pierre par exemple)

• Dans la troisième et dernière salle, des artistes contemporain.es rendent hommage à la « Vénus de Lespugue », petite bonne femme rondelette en ivoire, découverte il y a tout juste cent ans et qui traverse l’Histoire de l’Art depuis 25000 ans.

La Préhistoire est généralement définie comme la période comprise entre l’apparition du genre humain et l’apparition des premiers documents écrits.
La majeure partie des traces tangibles de ces sociétés sont donc les œuvres d’art ! Peints sur les murs des grottes ou gravés sur des pierres, les animaux y sont majoritairement représentés. On trouve peu de représentations d’êtres humains… Sauf quelques scènes, comme « La scène du Puits ».

Ce qui fascine dans l’Art Préhistorique, ce sont les mystères qui entourent ces œuvres et les rendent encore plus attractives : que représentent les animaux dessinés ? Certains pensent qu’iels se représentaient eux/elles mêmes à travers les animaux. Les troupeaux seraient les emblèmes des tribus, où les animaux laineux seraient postés au-dessus, comme des ancêtres blanchis par le temps qui les protègeraient…
Et, en réussissant à transcrire le mouvement des troupeaux courant dans les plaines, on peut leur attribuer l’invention du cinéma !
Quand on visite une grotte ornée on repart avec plus de questions qu’à l’arrivée : dans quel sens lire les dessins ? Qui sont ces artistes ? Des hommes ? Des femmes ? Quelle était leur place dans la société ? Pourquoi ont-iels voulu laisser ces traces ? Étaient-iels conscient.es de laisser une trace d’ailleurs ?

La puissance magique de ces oeuvres inspirent toujours les artistes, depuis longtemps…
Pour Giacometti, c’était une obsession « Dessins des cavernes, cavernes, cavernes, cavernes. Là et là seulement le mouvement est réussi », notait-il dans un de ses carnets. 
« La peinture est en décadence depuis l’âge des cavernes » renchérissait Joan Miró.
Quant au sculpteur Henry Moore, bouleversé par le site de Stonehenge, il affirmait en écho : 
« Tout art a ses racines dans le « primitif », autrement il devient décadent. »

Pour clore l’exposition « Arts et Préhistoire » une partie de la deuxième salle propose aux enfants (mais pas que.. J’avoue que moi-même….) de dessiner avec le doigt sur un mur qui s’animera et mélangera les différents dessins pour former une fresque…
Expressions des traces laissées par le public qui enthousiasment les jeunes artistes et leur public !

Bibliographie: deux ouvrages particulièrement passionnants:

• « Le beau livre de la Préhistoire » de Marc Azéma et Laurent Brasier
• « Le temps sacré des cavernes » de Gwenn Rigal: De Chauvet à Lascaux : les hypothèses de la science.
  

En famille au musée!

Durant toute la période des vacances scolaires qui s’étale du 4 au 25 février, les musées de la
Région Occitanie rivalisent d’imagination et d’ingéniosité pour proposer des activités aux publics
de tous âges.

• « NARBO VIA » Ce passionnant musée situé à l’entrée de Narbonne (dans l’Aude) propose plusieurs « temps forts » durant cette période de vacances: des visites-famille sur différents thèmes, des ateliers créatifs, des concerts etc.

• « LATTARA » à Lattes (34) Ateliers et visites guidées de l’exposition sur les statues menhirs.
  
• MUSÉE DE LODÈVE (34) C’est un lieu de découverte mais aussi un point de départ pour créer et s’amuser. Un étage entier consacré à la paléontologie !
  Du 18 février au 5 mars 2023 des ateliers destinés aux enfants seront proposés tous les matins à 11h, du mardi au samedi.
  
• MUSÉE FABRE (Montpellier) Le musée propose différentes façons de visiter les expositions temporaires ou les collections permanentes, adaptées à tous les publics:

• MUSÉE SOULAGES à Rodez (Aveyron) Les médiateurs du musée vous proposent une visite adaptée aux enfants accompagnés de leurs parents. Lors de cette visite ludique d’une heure environ, vous pourrez découvrir le musée et les œuvres de Pierre Soulages autrement ! Pendant les vacances, des visites autour des expositions temporaires sont également proposées.
  Pour les visites en famille, un parcours enfant avec audioguide est mis à votre disposition.
  22 commentaires en compagnie de Blanche et Luc pour découvrir l’architecture du musée et comprendre les œuvres de Pierre Soulages de manière ludique.
  Pendant les vacances scolaires, le musée Soulages vous propose des ateliers pour vos enfants, avec « Mes vacances au musée ». Rien de mieux pour placer les vacances sous le signe de l’art !
• MUSÉE DE MILLAU (Aveyron) Ce joli musée vous enchantera avec son secteur Paléontologie et son écomusée de la ganterie! Pendant ces vacances scolaires vous pourrez participer à des ateliers créatifs ( poterie, cuir..) visiter avec un médiateur ou admirer le travail d’une artiste en résidence…
• MUSÉE MÉDARD à Lunel (34) Les caractères typographiques, qu’ils soient allongés, ronds ou épais peuvent prendre de multiples formes qui font partie de notre quotidien! Autour de l’exposition « Quels caractères », participez aux ateliers mis en place par le médiateur culturel de ce très beau musée, trop mal connu!

• MATERNITÉ SUISSE D’ELNE (Pyrénées-Orientales) Entrez dans ce havre de paix et laissez-vous emporter dans ce lieu chargé d’émotions, d’espoir, de solidarité et d’humanité. Achetée en 2005 par la Commune d’Elne et classée Monument Historique depuis 2013, la Maternité Suisse est aujourd’hui un vif témoignage de l’entraide, du dévouement et de la détermination de jeunes volontaires d’associations humanitaires.
  Une visite inoubliable dans ce lieu d’une grande beauté!

Pour celles et ceux qui auront la chance et le plaisir d’être en vacances,
n’hésitez pas à pousser la porte d’un musée, seul.es ou en compagnie de vos proches:
ce sera toujours un moment de découvertes… Parfois drôles, parfois émouvantes!

L’exposition « Art Déco France // Amérique du Nord »,

un dialogue artistique fait d’années d’échanges

et d’allers-retours entre la France et l’Amérique du Nord.

Avec plus de 350 œuvres réunies, l’exposition montre comment le style français art déco a influencé l’architecture, les décors, le mode de vie et le goût des Américains du Nord.
Initiés dès la fin de années 1880, les échanges se poursuivront et s’intensifieront avec l’amitié née de l’implication des états d’Amérique du Nord dans la grande guerre. La dynamique se brise avec la crise économique et la Grande Dépression et commence à prendre fin à partir de 1937 avec l’achèvement d’un nouvel édifice aux dimensions «washingtonniennes»: le Palais de Chaillot, un projet de l’architecte Jacques Carlu, bâti sur l’emplacement du Palais du Trocadéro.

Installée au cœur du Palais de Chaillot, dans La Cité de l’Architecture et du Patrimoine, l’exposition « Art Déco France // Amérique du Nord » n’est pas seulement une exposition sur l’architecture d’édifices et de bâtiments plus modestes, elle est beaucoup plus que cela dans la mesure où le mouvement Art déco touche plus précisément l’aménagement et la décoration d’intérieur en créant le style d’une époque qui va trouver son point culminant en 1925, à Paris, lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes qui renvoie à l’imaginaire du luxe. C’est dans les années 60 qu’est né le mot «Art déco» abréviation de «Arts décoratifs».

Dès les deux dernières décennies du XIXe siècle, l’École des Beaux-Arts de Paris forme une centaine d’architectes américains et canadiens qui, à leur retour d’Europe, construisent et meublent ensuite des buildings Art déco dans les métropoles américaines avec des architectes français appelés pour dispenser leurs enseignements.
En 1919, après l’armistice, l’armée américaine ouvre une école d’art en territoire français qui accueille des soldats des forces américaines présents en France (des « sammies »), étudiants en art et en architecture dans le civil. De ces initiatives vont naitre de riches échanges entre professeurs, et certains vont, par la suite, rejoindre l’Amérique du Nord.
Dans les années 1920 et 1930, avant l’apparition de l’aviation commerciale au long cours, le principal moyen de transport intercontinental est le paquebot. À partir des années 1920, les chantiers navals commencent à faire le choix du modernisme pour l’aménagement intérieur et la décoration des navires. La Compagnie générale transatlantique ose le modernisme pour le paquebot Île de France (1927) et surtout le Normandie de 1935, véritable cathédrale de l’Art déco sur mer grace à des décorateurs tels que Louis Süe et André Mare, Jean Dunand, Paul Jouve, Patout et Pacon, Raymond Subes, Jacques Carlu, Carlhian et bien d’autres.

Pour vous qui entrez dans l’exposition, c’est sur le quai du port de New York que vous vous trouvez, parmi le flot des voyageurs qui descendent du Normandie.
Et maintenant laissez-vous emporter pour prendre place dans la machine à remonter le temps:

Premier mouvement d’architecture et décoration au retentissement mondial, l’Art Déco reste associé à une période de prospérité et d’insouciance. Entre luxe, confort moderne et technologie, ce mouvement se propose d’offrir un cadre de vie unifié et harmonieux, des pièces d’ébénisterie, tapisseries, peintures et sculptures ornementales aux céramiques et à l’orfèvrerie.
Le design qui débute sur les grandes séries d’équipement de l’habitat et des bureaux peut y être associé, ainsi que la mode vestimentaire et la typographie des signalisations et des réclames affichées et les enseignes.
En voici quelques illustrations …

• Le mobilier:
  N’oublions pas que le mobilier Art déco est l’œuvre d’artistes décorateurs destinée à une clientèle aisée, ayant soif de nouveauté, mais qui demeure relativement conformiste. Il s’agit de meubles réalisés par des ébénistes qui cherchent le luxe et la perfection. Les meubles sont donc des pièces uniques, un mélange entre l’art et l’artisanat.

• Les appareils ménagers:

• Pour le bureau:

Vêtements, bijoux, flacons…

• La musique:
  L’imagination est désormais captivée par la culture américaine du jazz (tant le chant que la danse), cristallisée par la figure de Joséphine Baker.

• La peinture:
  Un choix difficile à faire parmi les 350 œuvres présentées, choix qui reste très subjectif mais, dans cette exposition « Art Déco France // Amérique du Nord », peut-être bien plus que pour d’autres expositions, ce sont les « coups de cœur » qui l’emportent, qui nous font voyager, réagir, et s’étonner de tant de créativité.

1925: Quand l’Art Déco séduit le monde…

Formes géométriques, pures et dynamiques …

Le style Art Déco (1919-1940) se caractérise par son attractivité et sa vivacité. Né de l’impulsion des créateurs français tels que les architectes Henri Sauvage, Robert Mallet-Stevens, Pierre Patout, les décorateurs André Véra, Louis Süe, André Mare et Jacques-Émile Ruhlmann, le couturier Paul Poiret ou encore le sculpteur François Pompon, il est le fruit d’une vision d’ensemble émanant de champs artistiques variés…

Cité de l’Architecture et du Patrimoine
Palais de Chaillot
1, place du Trocadéro Paris 16e
De 11h à 19h lundi, mercredi, jeudi, vendredi
De 10h à 19h le week-end
Nocturne jusqu’à 22h le jeudi

TEXTES ET PHOTOS DE CET ARTICLE: KADIA RACHEDI

À Saint-Denis « la ville rouge », connue principalement pour abriter dans sa basilique la quasi totalité des tombeaux des rois, reines et princes de France, le «Musée d’Art et d’Histoire Paul Eluard» présente l’exposition :

« Insurgé.es !

Regards sur celles et ceux

de la Commune de Paris de 1871 ».

Installé dans les bâtiments de l’ancien carmel de Saint-Denis, le Musée d’art et d’histoire abrite notamment une exposition permanente sur le siège et la Commune de Paris.
La ville de Saint-Denis possède le fond le plus important au monde sur la Commune de Paris, partagé entre les archives municipales, la médiathèque, et surtout le musée, qui détient plus de 15.000 documents et objets sur la guerre franco-prussienne de 1870-1871 et sur la Commune.

18 mars 1871 – 28 mai 1871
« 72 jours au cours desquels des femmes et des hommes ont décidé de prendre leur destin en mains. Une période révolutionnaire qui, bien que très courte, n’en constitue pas moins un moment intense de production d’images gravées, souvent satiriques, et de documents imprimés (affiches, tracts, journaux, placards, chansons) qui ont régné sur l’espace public et ont été des vecteurs importants du débat politique : république, démocratie, souveraineté populaire, liberté et autorité, émancipation, travail, rapports de genre, violence, mémoire collective… La Commune inspirerait-elle encore ?
C’est une exposition pour laquelle nous vous invitons à prendre et à passer du temps pour voir, regarder, lire, cheminer, lentement, pour vous imprégner de cette période riche d’enseignements (et malheureusement douloureuse aussi) et vivre l’engagement et la détermination de celles et ceux qui voulaient changer le cours de l’histoire. » (extrait du dossier de Presse)

L’exposition « Insurgé.es ! Regards sur celles et ceux de la Commune de Paris de 1871 » entend faire la part belle aux nouvelles approches historiques de la Commune de Paris de 1871.
« En s’appuyant sur des œuvres et documents remarquables, célèbres ou jamais dévoilés, elle présente les événements et les mémoires qui les ont transmis à hauteur d’hommes, de femmes et d’enfants – qu’ils soient célèbres ou moins connus, identifiés ou anonymes, individus ou collectifs.
Plus de 150 ans après les évènements, une trentaine de personnalités de tous horizons, des historien.nes, écrivain.es, journalistes, philosophes, enseignant.es ou artistes sont invité.es à partager leur point de vue sur cet épisode historique et ses résonances contemporaines. » (extrait du dossier de Presse)

En montant vers la première salle de l’exposition, on entrevoit, au second étage, une salle de l’exposition permanente.
L’exposition « Insurgé.es ! Regards sur celles et ceux de la Commune de Paris de 1871 » commence à l’étage du dessus, après avoir traversé une petite passerelle qui vous permettra d’admirer une partie du carmel.

Sur les murs des photographies originales, des gravures, de truculentes caricatures qui permettent de saisir le quotidien multiforme de ces insurgé.es. Des dessins d’actualité, pris sur le vif et destinés à être reproduits en gravure dans la presse, montrent des élus et citoyens qui débattent… Journaux et affiches révèlent leur volonté de changer le monde.
Dans des vitrines, des documents originaux, par exemple, les pages retrouvées du manuscrit de « L’insurgé – chapitre XXIX » de Jules Vallès.

Pour mettre en scène le partage entre l’histoire de la Commune vécue par les insurgé.es et le point de vue des personnalités, des panneaux invitent les visiteurs.es à la lecture de leurs propos subjectifs sur une thématique, une figure ou un événement particuliers, explorant les formes de transmission à travers créations artistiques ou réactions de collégiens. Les auteur.es révèlent à quel point cette histoire interroge encore notre société.

Plus de 150 ans nous séparent des évènements de la Commune de 1871 et pourtant certains d’entre eux reviennent dans la réalité de notre quotidien comme un boomerang. Où il est question de vaccination, de collages…

Les nombreux documents exposés dans la dernière partie de l’exposition rappellent également la diversité d’une ville qui était loin d’être entièrement acquise à l’insurrection, ainsi que des reconstitutions du photo-monteur E. Appert «qui cherchaient à imposer une vision anticommunarde, sans cacher leur caractère d’images factices ».

*Pour celles et ceux qui suivent 🙂 vous retrouverez dans cette exposition une photo de la cour de la prison de Versailles que vous avez pu voir dans « l’Art d’être Curieux » de novembre 2022 sur l’expo: «C’est à Paris et nulle part ailleurs !» : parmi la foule des prisonnières, on peut voir, en bas à droite, Louise Michel, Paule Minck et Marie Ferré tranquillement assises…
Mais… C’est l’un de ses photos-montages :

La Commune s’achève avec la semaine sanglante (21-28 mai). Plus de 40000 prisonnières et prisonniers sont emmené.es à la prison de Versailles. La répression se poursuit par des milliers de procès et de condamnations à mort ou à la déportation.

L’ exposition est accompagnée d’un riche programme d’actions culturelles et éducatives ainsi que d’un catalogue publié sous la direction d’Anne Yanover aux éditions Libertalia.

MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE PAUL ELUARD
22 bis, rue Gabriel Péri 93200 Saint-Denis
01 83 72 24 55

Du 9 décembre 2022 au 6 mars 2023
Tarifs : Entrée 5€, tarif réduit 3€, moins de 16 ans gratuit.
Tous les jours (sauf mardi, fériés, 26 décembre-31 décembre inclus) 10h-17h30, jeudi jsq 20h, samedi et dimanche 14h-18h30
Site web : musee-saint-denis.com
www.musee-saint-denis.fr

MERCI À KADIA RACHEDI

POUR LA RÉALISATION DE CET ARTICLE

ET DES PHOTOS!

RCR arquitectes

Ici et ailleurs,

la matière et le temps.

Refermons fermement l’agenda 2022 et ses écheveaux de tristesse !
En ce début d’année, retournons au Musée Soulages à Rodez en Aveyron pour y rencontrer le cabinet d’architectes RCR, à qui fut confiée sa réalisation.

RCR pour Ramon Vilalta, Carme Pigem et Rafaël Aranda, les trois architectes qui remportèrent en 2008 le concours international pour la réalisation d’un musée dédié à Pierre Soulages à Rodez en Aveyron.
Iels présentèrent un projet de bâtiment allongé et semi-enterré sur lequel s’élèvent des parallélépipèdes bardés d’acier Corten, cet acier moiré de rouille.
La construction s’allongera au nord de la ville de Rodez : « un musée dans un jardin » comme le souhaitait Pierre Soulages. Les RCR, comme à leur habitude, s’étaient rapprochés de Soulages pour comprendre son œuvre et notamment le passage du noir à la lumière, ce qui se traduit en architecture par des surfaces et des volumes qui filtrent la lumière, pour accueillir les œuvres.

Le musée fut construit de 2010 à 2014. En noir et brun, il souligne un rapprochement entre le bâti et l’oeuvre du peintre, entre le brou de noix et l’acier. S’il existe beaucoup de musées dédiés à l’oeuvre d’un.e peintre (musée Picasso, musée Hartung, musée Dubuffet, musée Chagall… Et bien d’autres…) seul le musée de Rodez présenta l’oeuvre d’un artiste en activité. De plus, fait aussi innovant, il se situe en centre-ville de Rodez, comme une sorte de contrepoint à la cathédrale!

Comme toujours au musée Soulages, l’exposition sur le cabinet RCR est une parfaite réussite!
L’agencement de l’espace – très lumineux – consacré aux expos temporaires permet une libre déambulation au milieu de leurs réalisations et de leurs projets. On peut virevolter, admirer, se pencher tout près pour capter un détail… Puis repartir vers l’oeuvre de Soulages dans les salles un peu obscures et revenir plonger dans la lumière. Un va-et-vient qui permet de comprendre l’inspiration des architectes catalans!

« L’exposition RCR Arquitectes. Ici et ailleurs, la matière et le temps rend hommage au travail des RCR avec une importante sélection représentative de maquettes, de plans, d’esquisses, de gouaches, vidéogrammes et de photographies sur plus de 30 années de création des RCR.
La scénographie s’appuie sur trois ensembles distincts et constitutifs de l’expérience RCR: le paysage, l’architecture et le design. (…) À ces trois espaces scénographiques est ajoutée une salle destinée au musée Soulages, à son histoire et à son avenir.

En 2020, le Centre Pompidou présenta une importante donation des RCR Arquitectes : les prêts de l’exposition à Rodez en proviennent en partie. (…) L’ensemble est varié, maquettes, plans, dessins et gouaches. D’autres prêts proviennent des collections RCR d’Olot en particulier des maquettes d’architecture, des meubles, des sièges, des maquettes d’objets, des éditions pour l’industrie, notamment des appareils sanitaires…

L’exposition est ponctuée d’œuvres qui ont irrigué la créativité des RCR : Donald Judd, Joan Miró, Claudi Casanovas, Leonci Quera, Pierre Soulages, Salvador Dalí… Un dialogue avec les artistes se noue en salle d’exposition. » Benoît Decron Directeur du musée Soulages.

Pierre SOULAGES

C’est toujours un véritable ravissement pour moi de parcourir les salles du musée Soulages. Aujourd’hui, je les revisite avec beaucoup d’émotions et de tendresse… Le géant noir nous a quitté cette année et, bien qu’il nous reste un oeuvre considérable, on se prend à rêver d’immortalité et à ce qu’auraient été de nouvelles créations!
Juste au moment de sa disparition, cinq oeuvres ont été accrochées au musée de Rodez, dépots de collectionneurs particuliers.
Mon jeu sera de les retrouver! Je dois dire fièrement que je les ai toutes identifiées et me suis rendu compte à quel point ce musée m’est familier…

Cependant, j’ai voulu interroger une hôtesse pour plus de certitude. Celle-ci m’a gentiment orienté vers une salle en me disant: « Vous verrez c’est une grande toile noire et marron! » et je n’ai pas pu m’empêcher de lui répondre que je ne risquais donc pas de la louper 🙂
Et cette grande toile noire et marron est ma préférée:

… Je vous invite à chercher les autres, à travers les salles,
tout aussi fortes et remarquables…

Pour le plaisir et le souvenir, revenons sur l’inauguration du musée Soulages en 2014:

Le nouveau site Richelieu

de la BnF

En travaux pendant près de dix ans, le site « Richelieu » de la Bibliothèque Nationale de France à Paris à réouvert ses majestueuses portes en septembre dernier, pour offrir au public un lieu lumineux et aéré.
Initialement accessible aux seul.es lecteurs/lectrices enregistré.es (étudiant.es, chercheurs..) la BnF
propose maintenant une salle de lecture – la salle Ovale – en accès libre, ainsi que plusieurs salles du musée où se trouvent des expositions permanentes (médailles, livres, manuscrits,disques, estampes, jeux vidéos…) et temporaires.
On peut aussi admirer la salle Labrouste, bibliothèque de l’INHA ( Institut National d’Histoire de l’Art).

En recomposant les espaces, les architectes Virginie Bregal et Bruno Gaudin ont permis de désacraliser le lieu en le rendant accueillant, tout en gardant cette atmosphère feutrée si chère aux bibliothèques!
Puits de lumières, baies vitrées et mobilier moderne du hall d’accueil participent à la convivialité des lieux de passages vers les salles mythiques et le Musée.

La salle Labrouste

Bibliothèque de recherche en Histoire de l’Art, la salle est néanmoins accessible au public qui pourra admirer silencieusement et rapidement les décors fabuleux des murs et du plafond.

La salle Ovale

Cette magnifique et immense salle, fermée pour travaux pendant six ans, devient une salle gratuite, ouverte à tous et toutes, a vu arriver entre 1500 et 3000 visites/jour depuis son ouverture en Septembre!
Six mille ouvrages sur l’Histoire des Arts et du Patrimoine, neuf mille BD et un calendrier impressionnant d’animations, de rencontres et de lectures sont proposés aux lecteurs et lectrices de tous âges.
Grâce à des bornes interactives et des « niches » d’écoute au casque, on peut accéder à des documents exceptionnels… J’ai ainsi pu écouter la voix de Gérard Philipe dans un extrait du Cid et plus loin, jouer à enfiler des costumes de théâtre!

CHUUUUT!

Quel que soit son âge, le public qui pénètre à la BnF adopte d’instinct une attitude silencieusement respectueuse… Les enfants jouent calmement et les ados retiennent la porte sur votre passage… Magie du lieu!
Ou peut-être que celles et ceux qui lisent ou travaillent irradient de calme et de sérénité…

La BnF est accessible par la rue Richelieu et par la rue Vivienne 75002 PARIS.
Voir les horaires sur le site: www.bnf.fr

EXPOSITION TEMPORAIRE:
« Molière, le jeu du vrai et du faux » Jusqu’au 15 janvier 2023.
Cette exposition réunit un ensemble exceptionnel d’œuvres d’art, de pièces d’archives, d’éditions originales, de costumes, de photographies, de maquettes de décors et de documents audiovisuels.

Statues-menhirs au musée de Lattes

dans l’Hérault

Le Musée archéologique Henri-Prades est situé dans la commune de Lattes, dans le département de l’Hérault. Il est nommé en l’honneur de l’archéologue Henri Prades, à l’origine des premières fouilles sur le site dans les années 1960.
Aménagé dans l’ancien mas Saint-Sauveur, près du chantier de fouilles du port antique de Lattara, le musée archéologique présente le résultat des fouilles menées à Lattes par Henri Prades et le Groupe Archéologique Painlevé dès 1963 et, depuis 1983, par l’équipe scientifique pluridisciplinaire du C.N.R.S. Le musée archéologique témoigne de la vie quotidienne locale durant l’Antiquité.
Il vous invite à découvrir le port antique de Lattara et les différentes civilisations anciennes qui l’ont occupé. Il est également possible de découvrir d’autres civilisations méditerranéennes antiques à travers les expositions temporaires réalisées en partenariat avec des musées français et étrangers.

Laissons à Diane DUSSEAUX, Conservatrice du Patrimoine
et Directrice du Site archéologique Lattara/Musée Henri Prades, le soin de nous présenter ce site:

UNE EXPOSITION FASCINANTE

Cet hiver, le musée vous propose de pénétrer dans l’univers envoutant des Statues-Menhirs.
Articulée autour de 4 sections, l’exposition nous transporte au Néolithique, dans la région Occitanie, pour découvrir ces sculptures incroyables que sont les statues-menhirs.
Pierres dressées, gravées ou sculptées, elles s’apparentent aux menhirs, plus connus et qui nous sont plus familiers. On en a comptabilisé plus de 200 dans la Région Occitanie, qui datent de 3200 à 3500 avant notre ère.

Ces statues représentent des êtres humains (femmes ou hommes?) en buste ou en entier. Sur la face, le dos et les côtés, elles portent des motifs gravés ou en léger relief qui représentent des attributs physiques: bouches, yeux, mains, seins ou des parures vestimentaires ou/et guerrières.
Dans une période où les pierres dressées – menhirs et dolmens – sont une tradition depuis plusieurs siècles, la présence de ces statues-menhirs attestent d’un changement culturel important: représenter l’humain.
Le sens de ces créations restent encore un mystère, comme le sens des peintures pariétales des grottes ornées, et beaucoup de questions émergent en les admirant: qui sont ces personnes représentées? Pourquoi? Est-ce que l’Art avait une place particulière dans ces sociétés?… La liste des mystères est longue et c’est ce qui, de mon point de vue, en fait le charme et déclenche la fascination!
Ce qui crée l’atmosphère si particulière de cette exposition, c’est l’impression de deviner un sourire, ou une attitude solennellement posée, et percevoir, à travers les traits gravés, le geste de l’artiste…
Émouvante rencontre!

Cependant, il apparaît que les personnages représentés portent des attributs qui correspondent à des objets de valeur (haches, colliers…) Ce seraient donc des êtres détenteurs d’un certain statut: héros, ancêtres ou dignitaires… Reconnus par leurs pairs, ils sont placés, dressés dans des endroits stratégiques et visibles par le plus grand nombre, avec la volonté de marquer visuellement leurs territoires.

Retrouvons Diane Dusseaux qui nous raconte – avec passion! – les STATUES-MENHIRS:

ANIMATIONS
Un livret-jeux est à disposition du jeune public pour pimenter leurs visites et l’équipe du Musée organise des animations pour toutes tranches d’âge.
J’attire particulièrement votre attention sur celles qui se dérouleront lors des vacances scolaires de Noël: j’ai ouï-dire qu’une association va entraîner les enfants à réaliser un film d’animation autour des statues-menhirs… Nombre de participant.es limité… Inscription obligatoire! (voir plus bas)

Musée Henri Prades/Site Archéologique Lattara:
390 route de Pérols 34970 LATTES (moins de 20 km de Montpellier et très bien fléché!)
10h-12h et 13h30-17 h sauf les mardis.
0499547820 (Renseignements et inscriptions animations)

PHOTOS: (c) Sylvie MAUGIS