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GERMAINE RICHIER À MONTPELLIER

C’est au film « Germaine Richier » écrit par Laurence Durieu et réalisé par Marthe Le More que j’emprunte le titre, tant il vrai que l’exposition présentée par le musée Fabre à Montpellier jusqu’au 5 novembre éclabousse les visiteurs de sa passion!

« Élevée à Castelnau-le-Lez, aux portes de Montpellier, issue d’une famille de minotiers et de viticulteurs, Germaine Richier est marquée dès le plus jeune âge par la nature sauvage et indisciplinée qui entoure son enfance, et les paysages arides de la garrigue. Languedocienne par sa mère et Provençale par son père, Richier grandit dans une propriété aux bords du Lez, dotée de grands platanes, dont elle regarde l’écorce noueuse, où grouille également une faune d’insectes qui nourrira ultérieurement sa pratique artistique.
(…) Entre 1921 et 1926, Richier se forme à l’École des beaux-arts de Montpellier, alors située dans le même édifice que le musée Fabre dont les salles sont mitoyennes. Elle étudie auprès du sculpteur Louis-Jacques Guigues, ancien élève d’Auguste Rodin, et directeur de l’école.
Installée à Paris à partir de l’année 1926, où elle se forme auprès d’Antoine Bourdelle, Richier n’aura en effet de cesse de s’inspirer de sa Provence natale où elle se rend régulièrement.
(…) Dès les années 1930, elle est sollicitée pour orner le pavillon Languedoc Méditerranéen lors de l’exposition universelle de Paris en 1937, autour du thème de l’influence de la mer. Elle réalise à cette occasion une allégorie de la Méditerranée, incarnée par une femme nue qui porte la coiffe de l’Arlésienne.
(…) Le bestiaire de Germaine Richier n’aura en outre de cesse de puiser ses sources dans la faune méridionale, qu’il s’agisse de La Sauterelle, La Cigale, mais également La Mante, insecte qu’elle découvre durant sa jeunesse montpelliéraine. D’un point de vue matériel, Richier travaille par ailleurs à l’incorporation d’éléments naturels dans le plâtre au moment du modelage, des essences de bois flotté et de branchages, envoyés par sa famille depuis les côtes méditerranéennes. »
Extrait de la présentation de Maud Marron-Wojewodzki, conservatrice du patrimoine et commissaire de l’exposition)

À travers cette remarquable rétrospective de 200 oeuvres, réalisée en collaboration avec le Centre Pompidou, nous allons faire la connaissance d’une artiste vibrante, peu connue du grand public, et qui fut la première femme exposée de son vivant au musée National d’Art Moderne en 1956…

Elle a créé un univers peuplé de personnages étranges, parfois brutaux, qui nous attrapent pour nous immerger dans son imaginaire et le contraste est saisissant entre le visage doux et lumineux de l’artiste et ses créatures!

Le parcours de l’exposition nous emmène rencontrer Germaine Richier autour de plusieurs thématiques qui illustrent la richesse de son oeuvre et les différentes traversées de son inspiration: sculptures d’après modèles vivants, puis son évolution vers des représentations plus abruptes et plus violentes pendant les années de guerre et son exil, les « hybridations », sortes de personnages mi-humains, mi animaux ou végétaux, les mythes et symboles comme le fameux Christ qui fit scandale, les « sculptures à fil » et, enfin, des expérimentations autour des matériaux et de l’abstraction.

Même s’il est difficile de classer Germaine Richier, elle me fait un peu penser à Giacometti par l’aspect filiforme de certaines oeuvres et la force brute qui s’en dégage.

LE « SCANDALE » DU CHRIST D’ASSY

Son rapport aux mythes et aux symboles s’exprimera pleinement dans la commande publique en 1950 d’un Christ pour l’église Notre-Dame-de-Toute-Grâce à Assy.
Ce Christ longiligne, au visage gommé et le corps blessé, suscite la colère et l’indignation de groupes catholiques traditionalistes et déclenche « la querelle de l’art sacré ».
Retiré du maître-hôtel en 1951, il n’y sera replacé que dix ans après la mort de Richier, en 1969.

« Notre époque, au fond, est pleine de griffes. Les gens sont hérissés comme après les guerres. Pour moi, dans les œuvres violentes, il y a autant de sensibilité que dans les œuvres poétiques. Il peut y avoir autant de sagesse dans la violence que dans la douceur. » Germaine Richier

C’est curieux de se rappeler qu’en 1994, Pierre Soulages fit scandale en présentant ses vitraux de l’abbaye de Conques…

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À MONTPELLIER BIENTÔT…

La Ville de Montpellier annonce qu’elle va installer un nouveau tirage d’une oeuvre de la sculptrice Germaine Richier, La Spirale. Cette oeuvre prendra place en 2025 sur l’esplanade Charles-de-Gaulle, en Centre Ville de Montpellier, transformée et végétalisée dans le cadre de son réaménagement urbain.
Pour concrétiser ce projet, et depuis le lancement de l’exposition, le musée Fabre propose aux entreprises comme aux particuliers de participer à l’acquisition de cette nouvelle oeuvre bientôt accessible et visible de tous, sous forme de souscription publique, d’un partenariat ou sous la forme d’un mécénat personnalisé.

Plusieurs rendez-vous vous sont présentés autour de l’exposition: visite poétique, sortie atelier fonte et bronze, spectacle de danse, conférences etc.

Dans l’exposition même vous pourrez donc voir le film « Germaine Richier », et un salon vous propose l’écoute d’une dizaine de lettres écrites par l’artiste à sa famille, à certains de ses élèves, à son mari Otto Bänninger… Passionnant et émouvant partage de son regard sur l’Art !

Exposition au Musée National des Arts asiatiques-Guimet
à Paris, jusqu’au 18 septembre 2023

Des oeuvres d’art que l’on regarde comme des objets…
Et réciproquement.

« Conçue comme une expérience originale, un voyage introspectif entre corps et surnaturel, Médecines d’Asie est la première exposition majeure consacrée en France aux trois grandes traditions médicales asiatiques : indienne, chinoise et tibétaine. À travers un parcours scénographique par-delà les frontières et le temps, l’exposition transporte le visiteur dans un univers où se rencontrent pratiques médicales millénaires et œuvres d’art exceptionnelles, évoquant la méditation et le chamanisme, l’équilibre des énergies et la pharmacopée, le massage et l’acupuncture, l’astrologieet l’exorcisme.
L’exposition propose une plongée à travers quatre grands thèmes, dans un saisissant face à face avec 300 œuvres pour la plupart montrées pour la première fois, émanant des collections nationales françaises et de grandes institutions patrimoniales européennes. » (Dossier de presse)

Pour la visite, c’est à l’entresol qu’il faut se rendre… Quelques marches à descendre et nous quittons la lumière du jour du hall d’accueil pour nous retrouver dans une lumière tamisée, une sorte de pénombre qui engage à baisser le ton, à se déplacer silencieusement pour passer de salle en salle, attiré·es par les éclairages des vitrines pour y découvrir les œuvres exposées selon une scénographie « par de-là les frontières et le temps » mêlant œuvres d’art exceptionnelles, pratiques médicales millénaires, spiritualité, dialogue entre médecines occidentale et orientale…

Le parcours scénographique nous entraîne de la Chine à l’Inde en passant par le Tibet, à la découverte des croyances et des traditions de ces trois grands pays.
Entre sciences et croyances, l’exposition présente ces traditions anciennes, qui peuvent encore perdurer aujourd’hui. Chaque objet est porteur d’histoires incroyables, souvent méconnues en France.
Au cours de cette exposition…
– On explore ces traditions médicinales sous leur aspect historique et mythologique. Des sculptures aux dorures extraordinaires racontent l’histoire des dieux guérisseurs,

• On découvre les systèmes de diagnostics et de soins, massage ou de pharmacopée qui sont utilisées pour soigner le corps

• On découvre aussi comment les pratiques d’acupuncture, d’astrologie, de chamanisme, d’exorcisme, sont utilisées pour soigner le corps et l’esprit 

• On admire les vêtements qui protègent particulièrement les enfants : d’anciens vêtements témoignent des croyances et des protections spéciales dont bénéficiaient les enfants 

• On écoute le dialogue entre médecines occidentales et orientales…
  L’exposition « Médecines d’Asie, l’art de l’équilibre » évoque aussi le contexte historique des pratiques plus populaires, comme la méditation, le yoga… Des disciplines qui ont traversé les siècles et les continents, très en vogue et de plus en plus pratiquées en Occident.

Après avoir pris le temps d’admirer chaque œuvre, laissez-vous guider dans l’espace de méditation pour mieux vous imprégner de ces cultures.

Avant de quitter l’exposition « Médecines d’Asie, l’art de l’équilibre »
nous vous proposons quelques minutes de méditation 🙂

RÉDACTION ET PHOTOS: KADIA RACHEDI

Le MUSÉE NATIONAL DES ARTS ASIATIQUES-MUSÉE GUIMET se trouve

6 Place d’Iéna à PARIS 16° Arrondissement

Il est ouvert de 10h à 18h tous les jours sauf le mardi.

UN CABINET DE CURIOSITÉS

DES TEMPS MODERNES

C’est à Toulouse, dans une ruelle du quartier des Carmes, que LE MUSÉE DES ARTS PRÉCIEUX, abrite depuis 1944 la collection hétéroclite de Paul Dupuy, qui donne son nom au musée.
Ce riche négociant fit fortune à la fin du XIXe siècle en vendant des cornichons et des cerises au Royaume-Uni et à la Russie.  
Très vite, la collection fut complétée par l’important fonds d’arts graphiques de la Ville, puis en 1954, par la collection d’horlogerie d’Édouard Gellis.

Après trois ans de travaux, ce drôle de musée a ré-ouvert ses portes en Novembre dernier, et une mise en espace très travaillée va permettre au public de découvrir les quatre espaces du Musée.

Le rez de chaussée

Au rez-de-chaussée et une partie du sous-sol, le Cabinet de préciosité est divisé en quatre espaces : « Le salon de faïence », « Précieuse nature », « Enfermer la préciosité » et « Préciosité profane, Préciosité sacrée ». La collection d’arts décoratifs du musée est composée de trésors religieux médiévaux, d’ivoires, de faïences toulousaines et régionales, mais aussi de verreries, du parement d’autel des Cordeliers (XIVe siècle), de la pharmacie des Jésuites du XVIIe siècle, de sculptures sur bois, d’armes…

Le sous-sol

Au sous-sol, le fonds du musée dédié aux procédés d’optique du pré-cinéma, rarement exposé, est présenté dans Le Cabinet de projection. Deux salles sont consacrées à ces objets : « Vous avez dit peep-show… » et « Du Pathé de campagne au projecteur urbain ».
Une plongée délicieuse et humoristique dans le monde des ancêtres du cinéma nous fait découvrir ces machines à fabriquer du mouvement: zootropes, stéréoscopes, praxinoscopes… Qui font toujours la joie des enfants lors des animations scolaires!
Puis des projecteurs de divers formats: 8mm et super 8 et 16mm… Et quelques affiches qui changent suivant les périodes de l’année (Halloween, par exemple, a permis d’exposer des affiches de films d’horreur…)

Le premier étage

Au 1er étage, la collection d’horlogerie ancienne, fleuron du musée, est présentée dans Le Cabinet du Temps. Horloges et montres de prestige, cadrans solaires et chronomètres racontent l’histoire de la mesure du temps de la Renaissance au XXe siècle, de l’Europe jusqu’au Japon.
On y trouve ainsi une très étonnante pendule du magicien Houdin, sans mécanisme apparent, que je vous mets au défi de comprendre !

C’est aussi à cet étage que sont exposés des objets liés au « temps public »: heures des gares, des tribunaux, des églises par exemple!
Et cette incroyable machine à.. diviser les engrenages… Eh oui! Il en fallait bien!

Différents outils de visite complètent la scénographie claire et élégante, signée Eric Benqué : vidéos, bornes numériques, projections, application dédiée.
Ces dispositifs offrent aux visiteurs une expérience de visite augmentée.

Dernier étage

Le dernier étage, enfin, reçoit les expositions temporaires.
Jusqu’au 12 novembre 2023, vous pourrez voir cette incroyable exposition:
« HAUTE VOLTIGE »
Oeuvres en plumes de Maxime Leroy, le plumassier du Moulin Rouge à Paris!

Le musée des Arts Précieux Paul Dupuy se situe
13 rue de la Pleau à Toulouse
Il est ouvert du mardi au dimanche 10h à 18h.

De Prague à Paris

Une immersion dans l’oeuvre

d’Alphonse Mucha

« Au moyen de projections immersives, de dispositifs interactifs, ludiques et olfactifs, ainsi que d’une création musicale originale, Le Grand Palais Immersif à Paris, nous invite à (re)découvrir la vision humaniste de Mucha, l’influence permanente de son art, de l’affiche à la peinture monumentale, ainsi que son impact sur la culture contemporaine.
L’exposition est organisée en 5 sections réparties dans les différents emplacements des lieux:
Mucha : Icônes / 1900 / Utopies
Dans une salle modulable au rez-de-chaussée, toute première rencontre avec l’exposition en immersion avec un film projeté sur trois écrans monumentaux disposés en triptyque qui nous aspire littéralement. On regarde, captivé·es par les couleurs et la musique, les trois actes qui traversent la vie et l’œuvre d’Alphonse Mucha, depuis sa naissance en Moravie jusqu’à sa mort en 1939.
L’œuvre de Mucha en détail
Dans le couloir du rez-de-chaussée des écrans interactifs permettent aux visiteurs et visiteuses de choisir les œuvres du film présent dans la salle modulable afin d’en approfondir sa connaissance. Au bout du couloir, Mucha attend les visiteurs et leur parle en tchèque (voix originale) grâce à un hologramme produit à partir d’un portrait photographique de l’artiste. Un écran tactile permet au public de feuilleter le fac-similé du Pater, ouvrage publié en 1899 qui marque un tournant dans la pensée philosophique de Mucha, créé avant la décoration qu’il développera pour le pavillon de la Bosnie-Herzégovine, et qui est un lien indispensable avec le chef-d’œuvre que sera plus tard l’Épopée slave.
Les inspirations de Mucha
Dans la salle triangle se déploie une animation 3D réalisée à partir des plus beaux décors de l’artiste, rythmés par l’apparition de quatre personnages des fameuses affiches de Mucha : Gismonda, sa première affiche pour Sarah Bernhardt, Lorenzaccio, également dessinée pour la grande actrice, Rêverie et Automne, deux des plus beaux panneaux décoratifs de l’artiste. Les comédiennes (filmées) sont habillées de véritables costumes réalisés à partir des œuvres de Mucha, comme des incarnations de la beauté magnifiée par l’artiste dans toutes ses créations.
L’atelier de Mucha
La salle dite « le salon » est dédiée au processus de création développé par l’artiste : esquisses, dessins préparatoires, photographies de villes, de passants, mises en scènes photographiées servant de modèle aux futures œuvres, etc. : tous les outils utilisés par Mucha sont présentés au public dans un jeu de projections enveloppantes, mis en regard des œuvres définitives également projetées. Une ambiance olfactive, inspirée des fragrances propres aux ateliers d’artistes au tournant du siècle, vient surprendre le public et accentuer sa perception sensitive de cette section.
L’héritage de Mucha
Dédiée à l’héritage de l’artiste, cette dernière section située dans la mezzanine, met en lumière la grande influence des inventions graphiques et de l’œuvre de Mucha sur les graphistes et artistes depuis la fin des années 60. Au travers d’une sélection d’œuvres des années 70 (le mouvement « Flower Power » : pochettes de disques, affiches de concerts etc.), de mangas, de street art, de comics, d’œuvres contemporaines et même de tatouages, le visiteur découvre cette influence. »
(Extraits du Dossier de Presse)

ALPHONSE MUCHA, maître de l’affiche à Paris, est né dans un petit village dans le sud de la Moravie. Après avoir étudié aux Beaux-Arts de Munich, il arrive à Paris en 1887 pour poursuivre ses études au sein de l’Académie Colarossi et de l’Académie Julian. Dans la capitale, où la création est stimulée par l’exposition universelle de 1889, il travaille comme graphiste, crée des affiches publicitaires et illustre des catalogues, des calendriers et des livres. Il se fait embaucher par la première grande maison d’édition parisienne, Armand Colin.
En 1894, la tragédienne Sarah Bernhardt commande de toute urgence une affiche pour sa nouvelle pièce, « Gismonda » jouée au théâtre de la Renaissance qu’elle dirige. Par un hasard de circonstances, c’est Mucha qui compose l’affiche. Séduite par son style sophistiqué, elle embauche l’artiste pour six ans. Les affiches valent à Mucha une notoriété certaine. Elles deviennent rapidement des objets de collection et font connaître son style délié, où les courbes féminines répondent aux motifs floraux.

Alphonse MUCHA pionnier de la publicité
Par son travail d’affichiste, Alphonse Mucha est considéré comme l’un des pionniers de la publicité.
Il imagine aussi, dès 1896, une affiche publicitaire pour la marque de papier à cigarette JOB.
Cette affiche représentant une femme blonde en train de fumer est l’une des plus célèbres de l’auteur et il n’en existe pas moins de cinq variantes.

Alphonse Mucha et l’exposition universelle de 1900 
Le gouvernement autrichien lui confie la décoration du pavillon de Bosnie Herzégovine au sein de l’Exposition universelle de 1900. L’artiste en fera un manifeste des aspirations slaves. Mucha loue un hangar, il fait défiler des modèles qu’il photographie pour ensuite les intégrer dans d’immenses fresques qui relatent les temps préhistoriques, l’arrivée des Slaves, la coexistence des religions, les légendes.
Ces décors préfigurent le cycle monumental de l’Épopée slave. « Au seuil de ce nouveau siècle, je pensais désormais avec assiduité, à la façon dont je pouvais être utile à mon peuple ».

Les « femmes Mucha » 
Dans cette salle, les «femmes Mucha» incarnées par des comédiennes vêtues de costumes réalisés à partir des œuvres de Mucha, prennent vie en descendant l’escalier devant nous, comme « Gismonda » et « Lorenzaccio« , personnages joués par Sarah Bernhard.
Les décors animés permettent de découvrir toute une gamme de motifs inspirés des différents styles et cultures dans lesquels Mucha puisait : mondes celtiques, égyptiens, grecs, islamiques… L’artisanat populaire d’Europe de l’Est, la mosaïque byzantine, les décors baroques et les estampes japonaises s’invitent aussi dans la ronde.

L’épopée slave 
En 1910 Alphonse Mucha rentre définitivement à Prague.
L’autre vie d’Alphonse Mucha commence… Elle va durer trente ans!
Mucha réalise alors un ensemble peint monumental, « l’Epopée slave » : 20 tableaux de 8 mètres sur 6 chacun. Pour financer ce programme, il part six fois aux États-Unis, entre 1904 et 1910, enseigner, vendre, chercher et trouver un mécène. Cette œuvre grandiose fait polémique dans les années 1930, la République Tchèque subissant l’influence de la montée du nazisme en Allemagne. Mucha est alors considéré par les nazis comme un artiste décadent, aux tendances judéophiles et franc-maçonnes.

C’est aussi cette fervente adhésion à l’émancipation des peuples qui lui vaut d’être arrêté par la Gestapo dès l’entrée des troupes allemandes à Prague, en 1939.
Brisé par son incarcération, celui qui croyait en l’union des forces de la Raison et de l’Amour, meurt quelques mois plus tard.

Après (ou avant) de vous rendre au « Grand Palais immersif » à Paris, nous vous proposons de visiter trois expositions sur Alphonse Mucha :

Paris, 1980: Rétrospective au Grand Palais:

Paris, 2018 au Musée du Luxembourg:

Prague 2022: « e-MOTION immersive exhibition »:

Article réalisé par Kadia RACHEDI (écriture et photos)

Parcours d’art contemporain

« Narbo Via » à Narbonne dans l’Aude et le Musée Régional d’Art Contemporain (MRAC) de Sérignan dans l’Hérault ont réalisé une exposition très particulière que vous pourrez voir jusqu’à la fin de l’année.
Iels ont sélectionné une vingtaine oeuvres d’artistes contemporains et les ont mis en résonance avec les oeuvres antiques du musée Narbo Via.
Pour être honnête, j’y suis allée très perplexe… Un peu d’appréhension vis à vis de ce que je nommerais un « phénomène de mode », trop souvent vide de sens et de talent…
Et bien, je suis repartie enchantée et amusée par cette audacieuse initiative très réussie!

« C’est une véritable rencontre entre deux collections d’œuvres antiques et contemporaines que les visiteurs sont invités à découvrir. Au total, 21 œuvres sont exposées dans l’espace des collections du musée Narbo Via, selon des affinités thématiques ou formelles, basées sur un contenu (le portrait, le voyage en mer, le décor), ou sur une technique (la peinture, la sculpture, la céramique), proposant un nouveau regard sur les vestiges de la cité romaine de Narbo Martius, et interrogeant l’histoire de l’art par la citation, le détournement, la rupture ou encore le second degré. » (…) Depuis l’entrée du musée Narbo Via, en passant par la galerie lapidaire et son mur monumental, puis tout au long du parcours des collections, des peintures, installations, dessins et sculptures dialoguent ainsi avec les vestiges archéologiques, mais également avec le bâtiment du Musée. Cette démarche s’inscrit dans une volonté de questionner notre rapport à l’histoire et à la création. Au regard de la collection archéologique présentée au public, y a-t-il un continuum et une vision unifiée de la création artistique ? Ce parcours entre art contemporain et art romain témoigne ainsi de la façon dont les artistes d’aujourd’hui s’inspirent d’œuvres anciennes »
(Extraits du dossier de présentation.)

Une nouvelle belle rencontre que je vous invite à découvrir à travers des oeuvres parfois moqueuses et parfois émouvantes… Mais toujours très justement installées.

Le livret de visite en mains, lisez les biographies et les notes d’intention qui vous permettront de mieux apprécier les « dialogues » proposés entre le contemporain et l’antique… Et savourez les clins d’oeil des artistes ou leurs préoccupations !
D’autres oeuvres sont exposées à l’Horreum et à Amphoralis.

« Narbo Via » est ouvert du mardi au dimanche de 10h à 19h
2 avenue André Mècle 11000 Narbonne
tel: 0468902890

C’est dans l‘ancien évêché d’Uzès dans le Gard que vous ferez ces belles rencontres!
Après des travaux de rénovation colossaux qui ont duré plusieurs années, un étage entier de l’ancien évêché est désormais consacré aux expositions.
La première a eu lieu en 2022, autour de « morceaux choisis » de l’Histoire de l’Art du XIX° et XX° siècle: Dufy, Picasso, Renoir, César…

L’exposition présentée jusqu’au 15 octobre fait se rencontrer deux artistes vraiment différents, et pourtant leur juxtaposition apparaît comme une évidence!

« CÉSAR et CHABAUD,

deux artistes en liberté »

Plus de 70 oeuvres – peintures et sculptures – de ces deux artistes nés dans le Sud, se répondent au gré des salles, et si l’on est surpris au premier abord, la mise en espace très étonnante permet un regard croisé vraiment passionnant! Comme par exemple, une sculpture de César représentant une théière rouge, jaune et noire positionnée juste devant le tableau de Chabaud  » Carnaval » dans les mêmes tons exactement…

À noter que la Presse n’a eu le droit de photographier que très peu d’oeuvres… Car elles sont la propriété de collectionneurs privés qui redoutent la copie de faussaires à partir d’une photo et l’organisation d’un trafic!
En effet, le démantèlement d’un réseau de faussaires, qui a écoulé des centaines de faux César dans des galeries d’art et chez des commissaires-priseurs, a eu lieu en Septembre 2001. Le procès aboutit à la condamnation de marchands, faussaires et intermédiaires accusés d’avoir contrefait des œuvres du sculpteur. Le principal accusé, le faussaire Éric Piedoie le Tiec, déjà condamné pour contrefaçons, écopera de 4 ans de prison. (Source:Wikipédia)

Auguste CHABAUD est né à Nîmes en 1882. Il rentre aux Beaux-Arts pour se consacrer à sa passion qu’est la peinture. En 1899 il s’installe à Paris où il rencontrera des artistes comme Matisse, Derain et surtout Van Dongen qui l’inspirera fortement.
Il va exposer au « Salon des Indépendants », là où ces artistes seront appelés « les Fauves » à cause de leurs partis pris de couleurs violentes et contrastées… On dira de lui que « C’est l’un des fauves le moins soucieux d’être dompté! »
Il marquera une fascination pour celles que l’on nommait « Les filles de joie » autant que pour les mondaines et ses portraits aux forts à plats rouges et noirs font ressortir leurs traits et par là leurs destinées de femmes de la « Belle-Époque »…
Il s’attachera aussi à des figures comme les pompiers, les spahis, les bourgeois en hauts de forme, les défilés de Carnaval ou les conducteurs de fiacre… Tous ces hommes qui peuplent les rues au quotidien.

C’est à Marseille qu’est né César Baldaccini, dit « CÉSAR ». Lui aussi suivra les cours des Beaux-Arts à Marseille, et très vite il obtiendra des prix en dessin, en architecture et en gravure. Lui aussi « montera » à Paris pour entrer à l’École Supérieure Nationale des Beaux-Arts…
Devant l’impossibilité pour lui de travailler la pierre, en raison de son coût, il se tournera vers d’autres matériaux comme le plâtre et le fer et s’initie à la soudure à l’arc. Sa visite à Pompeï et la vision des corps saisis dans la lave va être une source d’inspiration importante…
Connu pour ses « compressions » de voitures, il l’est moins pour ses sculptures et cette exposition nous permet d’en voir de très belles!
Le sculpteur est aussi le créateur du trophée en bronze de la cérémonie du cinéma français, nommée donc: « Cérémonie des Césars ».

En guise de conclusion…
Comme je m’étonnais qu’il n’y ait qu’un vigile, car les photos étant interdites et que c’est un travail de surveillance colossal, je me suis rapprochée de Karim, le gardien de l’exposition.
Et là, j’ai fait la rencontre que tout amateur d’Art rêve de faire!
Karim travaille pour une société de surveillance privée et a l’habitude, comme il dit, de surveiller de façon énergique des magasins etc. Avec un grand sourire, il me raconte sa découverte étonnée du milieu de l’Art, du côté très calme du boulot, et de la rencontre avec Chabaud.
Il m’emmène vers un tableau de Chabaud: « Les hauts de forme » et me montre malicieusement ce qui l’a bouleversé: la luminescence des bouts incandescents de leurs cigares.

Il faut choisir absolument la visite commentée par le commissaire de l’exposition Marc Stammegna (voir les jours sur le site de la Ville d’Uzès) pour faire la connaissance d’un « personnage » dans le sens théâtral du terme: il vous guidera à la rencontre des deux artistes avec beaucoup d’humour et de passion, truffant sa déambulation d’anecdotes et de « focus » historiques.
Jamais pédant, et d’une telle Culture que l’Histoire de l’Art devient savoureuse et si accessible!

L’exposition est ouverte du lundi au dimanche (sauf le mardi) de 10h à 19h.
Ancien évêché d’Uzès. 1 place de l’évêché à Uzès ( Gard)

Une histoire de famille, de couleurs…

… De collectionneurs et de transmission

Le Musée du Luxembourg à Paris présente une exposition inédite dédiée à Léon Monet (1836-1917):

« LÉON MONET, FRÈRE DE L’ARTISTE ET COLLECTIONNEUR ».

Chimiste en couleurs, à la fois industriel rouennais dans la chimie des colorants synthétiques et collectionneur d’œuvres d’art, Léon Monet joue un rôle décisif dans la carrière de son frère Claude Monet, le peintre impressionniste (1840-1926) et soutient très tôt les impressionnistes et les artistes rouennais.
L’exposition réunit une centaine d’œuvres. On y retrouve, entre autres, des peintures de Claude Monet, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Camille Pissarro ou Auguste Renoir, mais aussi des livres de couleurs, des échantillons de tissus, des estampes japonaises, des documents d’archives et de nombreuses photographies de famille.
Et parmi des inédits, présentés pour la première fois, le premier carnet de dessins de Claude Monet, daté de 1856 et le portrait de son frère Léon, exécuté par l’artiste en 1874, année de la première exposition impressionniste à Paris. Pour des raisons inconnues, Léon Monet a gardé caché ce portrait qui, aujourd’hui, «s’affiche» pour illustrer cette exposition qui inscrit, définitivement, Léon Monet dans la biographie de Claude et montre l’intérêt partagé des deux frères pour la couleur.

Une histoire de famille

Léon et Claude Monet nous accueillent. Entre leurs deux portraits, le tableau « Jardin en fleurs à Sainte-Adresse », peint par Claude vers 1866 : une vue de sa chambre dans la villa « Le Coteau », près du Havre, qui appartient à leur oncle et tante paternels, chez qui la famille s’installe en 1845.

Dès qu’il est en âge de travailler, Léon est recruté comme commis dans l’entreprise familiale d’épicerie en gros. Plus tard, il décide d’étudier la chimie des couleurs.
De son côté, Claude s’intéresse à l’art, sa matière préférée et, il commence à dessiner dès l’âge de 15 ans. La tante, Marie-Jeanne Lecadre, peintre amateure, l’encourage et lui présente l’artiste Armand Gautier (1825-1894).

Une histoire de couleurs

Après des études de chimie, Léon Monet quitte le Havre pour Rouen où il est représentant de commerce pour une fabrique d’indienne.
Geigy & Co, une société suisse de produits chimiques installée à proximité de Rouen, lui confie la remise en état d’un moulin à papier acheté dans la vallée à Maromme pour la constitution d’une manufacture de produits de teinture dont il devient directeur en 1892. Léon Monet se spécialise dans l’impression des cotons et dans les teintures pour soie, laine et coton. Il y emploie son neveu Jean Monet comme chimiste .

Claude Monet, «le patriarche» de l’impressionnisme a trouvé la gloire en fusionnant avec la nature. Mais ce que le plein air lui a inspiré, il l’a peint avec des couleurs synthétiques. Et ces tubes de pâte à base de lanoline, c’était Léon, l’industriel de la chimie, qui les produisait. Ce n’est pas anodin : devant de grandes photographies d’usines, ses nuanciers, grands albums ouverts, ou ces échantillons de tissus, mousselines ou indiennes chatoyantes sont exposés à côté de la palette du peintre.

Une histoire de collectionneurs

Les critiques de l’époque s’acharnaient à dire que Claude Monet ne savait pas dessiner.
Vraiment ? Léon Monet, son frère, le soutient au point d’acheter ses premiers dessins, réalisés lorsque l’artiste avait seulement 15 ans!

En 1872 et alors que son frère achève la toile fondatrice de l’impressionnisme, «Impression soleil levant» (une vue du port industriel du Havre), Léon Monet co-fonde la Société industrielle de Rouen et décide d’apporter un soutien actif à son frère et ses amis impressionnistes. Ce sont les prémices de la constitution d’une remarquable collection d’art moderne. Léon Monet collectionne des œuvres de Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir et Alfred Sisley. L’exposition révèle également le goût des deux frères pour la couleur, Léon Monet dans l’industrie textile et Claude dans ses peintures et pour les estampes japonaises… 

Le parcours se clôt sur les œuvres ultimes de Claude Monet, sa représentation de plus en plus abstraite de son jardin de Giverny, unique motif de ses peintures alors qu’il est atteint de la cataracte, ce qui altère sa perception des couleurs.
Cependant, l’histoire de famille ne s’arrête pas là: écoutons la Commissaire de l’exposition Géraldine Lefebvre qui nous parle de Giverny et nous explique pourquoi, près d’un siècle après la mort de Claude Monet, s’il est toujours possible de visiter la maison de Claude Monet et les jardins, c’est grâce à la petite-fille de Léon Monet, Françoise, qui a grandi dans le souvenir et l’admiration de son grand-oncle Claude Monet. Dermatologue, elle manie aussi avec passion les crayons et les pinceaux et s’initie au dessin académique.
Avant son décès à l’âge de quatre-vingt-onze ans, le 21 décembre 2017, Françoise a émis deux souhaits: voir un jour l’histoire de Léon et de Claude Monet, son grand-père et son grand-oncle, révélée, et que le portrait de Léon Monet, peint par Claude en 1874 rejoigne un jour les collections publiques françaises.
Peu à peu abandonnés à la mort du peintre, les jardins seront restaurés à partir de 1977 avant d’être ouverts au public le 1er juin 1980. ( Cf : L’Art d’être Curieux du 15/08/2021)

Article et photos de Kadia RACHEDI

Musée du Luxembourg
19 rue de Vaugirard à Paris, dans le 6° arrondissement.
Tous les jours de 10h30 à 19h, nocturnes les lundis jusqu’à 22 heures.

… LA FASCINATION RENOUVELÉE!

Depuis l’ouverture des Carrières de Lumière aux Baux de Provence, je n’ai jamais « loupé » une exposition: Dali, Venise, Gaudi, Van Gogh, Klein…. Trouvent là un hommage absolument fascinant!
Hommage aussi à ces hommes et ces femmes qui ont travaillé dans ces carrières, et les expositions sont émouvantes de cette complicité entre carriers et artistes.

Si vous ne connaissez pas le concept des Carrières de Lumières, je préfère vous laisser visionner ces 3 courts documentaires, réalisés pour FR3 sur l’exposition Van Gogh en 2019:

« DE VERMEER À VAN GOGH

LES MAÎTRES HOLLANDAIS »

Dès la porte passée, l’étrange ambiance des projections géantes et de la musique nous happe…
Sur cette exposition, on va d’abord traverser deux périodes importantes de l’art hollandais: de 1600 à 1750 où se joue une peinture de facture assez classique avec des thématiques comme le portrait, la vie quotidienne, la foi, les paysages…

Puis la peinture éclatante de Van Gogh, à partir de 1850, qui a quitté la Hollande pour venir découvrir la lumière et la chaleur de la Provence et nous offre des tournesols et des champs de blés dorés pour accueillir nos siestes d’été!

Par la mise en mouvement et le focus sur certaines parties des oeuvres projetées, le spectateur pénètre dans le tableau, et y découvre des détails savoureux: un visage, un éclat de lumière, un bijou…
Musiques d’époque et parfois airs de jazz ponctuent notre traversée de la peinture des maîtres flamands, et on se surprend à danser doucement en admirant un Rembrandt qui nous enveloppe de ses tons ocrés!

On s’amuse à faire le tour des Carrières dans tous les sens pour voir d’où la vision est la plus exaltante! Jouer avec les lumières et les sons… Ou bien, se poser à un endroit pour laisser venir les images…
Tout est permis! Cette absolue liberté est enivrante et l’idée de repartir ne nous effleure même pas quand la projection s’arrête…
Là, on découvre les Carrières de pierre, vides et majestueuses… Chercher des signes ou de graffitis témoins des moments de labeurs passés…
Et la lumière s’éteint…

MONDRIAN L’ARCHITECTE DES COULEURS

La projection, plus courte, va reprendre sur le peintre Piet Mondrian, artiste et théoricien de l’Art néerlandais du XX° siècle.
Le rythme est saccadé et ses carrés de couleurs se succèdent avec rapidité sur tous les murs de façon délirante. Le souffle coupé, on ne sait plus où regarder, tellement cette explosion de couleur éclabousse les Carrières!

Les projections s’éteignent….
Mais les couleurs resteront gravées dans nos yeux et dans nos coeurs.

Photos: Christian AVENEL

Sur l’un des dépliants que l’on vous offre à l’entrée, vous pourrez flasher un « QR code » qui vous permettra d’accéder à une application très bien réalisée, avec des petits articles sur certaine oeuvres, la liste des compositeurs des musiques utilisées… Une sympathique façon d’accompagner votre visite et de vous replongez dans la magie une fois chez vous!

Avant de partir, vous lirez le dépliant sur la Fondation Culturespaces, placée sous l’égide de la Fondation Agir Contre l’Exclusion (FACE), qui s’engage depuis 2009 en faveur de l’accès à la Culture pour les enfants en situation de maladie, de handicap ou de de précarité sociale… En sensibilisant les enfants à l’Art, la Fondation fait rimer solidarité et créativité… www.culturespaces.com

Légendes du radeau

C’est au CRAC Occitanie (Centre Régional d’Art Contemporain) de Sète dans l’Hérault que vous pourrez rencontrer le travail de Fernand Deligny, éducateur et cinéaste.
Jusqu’au 29 mai, le CRAC propose un cheminement à travers le travail de Deligny, qui chercha durant toute sa carrière des alternatives aux institutions éducatives et psychiatriques.

Fernand Deligny est né à Bergues, dans le Nord en 1913. D’abord instituteur pour enfants inadaptés, il fut éducateur à L’Institut Médico-Pédagogique (IMP) de l’asile d’Armentière. Là, il commence par supprimer les punitions et met en place des ateliers de créations artistiques, organise des sorties etc.
Ce qui peut nous paraître évident aujourd’hui, était à l’époque fort révolutionnaire, et on ne peut s’empêcher de faire un parallèle avec le travail pédagogique de Celestin Freinet, qui bouscula, quelques temps avant, la rigueur de l’enseignement!

Après avoir créé les premiers foyers de prévention de la délinquance, il fonde une association de prise en charge de « cures libres » d’ados et d’enfants psychotiques…

Au cours de ses différents engagements professionnels, Fernand Deligny précise qu’il cherche moins à éduquer, à réhabiliter ou à guérir qu’à mettre en place des environnements et des circonstances favorables aux changements de comportements des individus.  il insiste sur l’idée que l’éducateur ne doit pas s’appuyer sur le passé du jeune délinquant par exemple mais sur le milieu capable de favoriser un sens de la collectivité. Il s’attaque au volontarisme pédagogique par lequel des éducateurs entendent réformer les éduqués, les incitant à travailler avec les jeunes par des projets formulés avec eux.

Enfin, en 1967, il va s’installer à Monoblet dans les Cévennes où il fonde un réseau de prise en charge d’enfants autistes. Les enfants qui y sont accueillis présentent des symptômes sévères et ne parlent pas, quasiment ou entièrement. Nul programme thérapeutique ou éducatif n’est formulé, il s’agit davantage de « faire cause commune » avec eux, de leur proposer des moments de rupture, un intervalle entre l’approche volontariste et la passivité que Fernand Deligny nomme « un espace tacite ». Il considère que leur mutisme est un élément constitutif de leur être qu’il s’agit non pas d’interpréter mais d’observer.
C’est cette dernière « expérience » qui est mise en avant dans cette très intéressante exposition.
À travers des textes, des dessins, des poèmes, des livres, des extraits d’interviews et ses films, on approche le sens de cette expérimentation, qu’il désigne comme un radeau, à la fois naufrage et salut.

Il est difficile de vouloir restituer la richesse du travail de Fernand Deligny en quelques mots…
En 2021, un groupe d’étudiant.es de l’IRTS de Montpellier (Institut Régional du Travail Social), futur.es éducateurs et éducatrices spécialisé.es, a réalisé un documentaire sur Deligny:

Florian Fouché, Manifeste assisté

À la suite des salles d’exposition Deligny, on accède aux salles consacrées à l’oeuvre de Florian Fouché, sculpteur. Né à Lyon en 1983, il vit et travaille à Paris et enseigne à l’école des Beaux Arts de Lyon. Il réalise des « actions proches », expérimentations sculpturales, lors de visites à son père, hémiplégique à la suite d’un AVC. « Actions proches » dérive de « présences proches » expression de Deligny pour désigner celles et ceux qui veillèrent sur les enfants de Monoblet…

Le CRAC Occitanie est en accès GRATUIT de 12h30 à 19h, sauf les mardis et le 1° mai.
26 quai Aspirant Herber à Sète (34) 0467749437
De nombreuses animations sont proposées tout au long de la période d’exposition.

De mon adolescence, j’ai gardé une fascination pour Dina Vierny.
Plutôt cancre et une appétence pour tout ce qui touchait aux arts, j’adorais la sculpture et je trainais aussi aux Beaux-Arts en auditeur libre dans la classe de croquis… Un peu en errance, j’ai eu – par chance – un père attentif qui m’emmena un samedi après-midi à Paris (on habitait en banlieue et c’était une sortie...) à la Galerie Dina Vierny.
Accueil chaleureux:  » Oh! Henri! Quel plaisir! Que me vaut ta visite? »
Qui était donc cette petite femme un peu ronde habillée de noir, au visage lumineux, et entourée d’oeuvres si magnifiques?
– « Je te présente ma fille cadette. Elle est dans une section Arts Plastiques au lycée et veut faire une carrière artistique, tu pourrais la conseiller? »
La petite dame me regarde très affectueusement… En riant elle me dit:
– « Tu sais, tu devrais plutôt te diriger vers la décoration! Pour une femme c’est trop dur d’être une artiste! »
Ohhh! qu’elle m’a énervée la dame! Et pour m’énerver un peu plus, mon père m’emmène voir les statues de Maillol aux jardins des Tuileries…
Je n’ai jamais su comment mon père avait pu sympathiser avec Dina Vierny!
Amitiés trotskystes ou de résistance?

Dina Vierny rencontra Aristide Maillol à l’age de quinze ans et fut son modèle préféré. Une belle amitié les a lié pendant des années. Durant la deuxième guerre, elle se réfugia à Banyuls, chez le sculpteur, pour échapper au nazisme et fit le « passeur » pour des antifascistes qui tentent de fuir vers l’Espagne… Pendant l’Occupation elle sera arrêtée, torturée puis emprisonnée.
Maillol en fit sa légataire universelle et après le décès de celui-ci, elle créa la « Fondation Dina Vierny » pour pouvoir gérer les oeuvres de l’artiste.

Le musée Maillol à Banyuls-sur-Mer

Et me voilà à Banyuls-sur-Mer, un bel après-midi d’hiver… Cachée dans la garrigue, la métairie d’Aristide Maillol se laisse désirer, mais la promenade est ravissante!
Et là, en entrant, j’ai un peu l’impression de m’être trompée:

Une incroyable exposition sur les affiches réalisées par les étudiant.e.s des Beaux-Arts en Mai 68 !
« Ne cherchez pas de corrélation! » me dira le monsieur très sympathique de l’accueil… C’est vrai… Il n’y en a -peut-être? – pas… Sauf l’expression d’une révolte, comme celle de Dina pendant l’occupation, qui la conduisit vers la Résistance, ou les Beaux-Arts que Maillol a fréquenté…
Quand on visite la métairie-musée, on ne se pose plus la question, les affiches se mariant étonnamment avec les sculptures exposées!

La visite du musée

Ce qui est remarquable dans ce musée, ce sont – outre les grandes oeuvres – les petites sculptures exposées dans les vitrines et les oeuvres graphiques, peu connues.

La vie quotidienne

Autour de sa table, qui était réputée, se sont réunies beaucoup de personnalités artistiques du siècle.
Aux murs de sa salle à manger, les tapisseries sont de Maillol. Passionné par la tapisserie, il crée un atelier de tissage à Banyuls, engage des ouvrières et réalise ses premiers cartons. Il réintroduit l’emploi des pigments naturels qu’il récolte lui-même dans la campagne.

Pour clore la visite, un très beau documentaire sur Aristide Maillol est proposé au sous-sol…

Émotion, dehors, devant la tombe de Maillol sur laquelle veille cette tellement belle oeuvre
« La Méditerranée » dont Dina Vierny fut la modèle…
Voilà, la boucle est bouclée…

Les photos ont été réalisées par Christian AVENEL

Dans l’article du 16/06/2022: « Destination Orsay »
vous retrouverez Aristide Maillol, cet artiste étonnant et tellement mal connu!

Le Musée Maillol se trouve dans la Vallée de la Roume
66650 Banuyls sur Mer
Du mardi au dimanche de 10h à 12h et de 15h à 19h
Renseignements: 04 68 88 57 11